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开掘民族戏剧的现代感,风靡国外的启示

文章作者:全天时时计划戏剧 上传时间:2019-10-13

  在土耳其第十四届黑海国际戏剧节上,由中国戏剧家协会组团的河南豫剧院二团演出的豫剧新作《清风亭上》,受到了当地观众的热烈欢迎,每场演出结束时掌声经久不息,自发起立鼓掌的观众久久不肯离去。这是该剧继2009年参加巴黎中国戏剧节后,又一次征服了国外观众。由此可见,不光是国粹京剧,中国地方戏曲也照样能够风靡国外。

  格子衬衫、条纹T恤……3月18日晚,北京人艺“镇院之宝”、经典话剧《茶馆》中的三位主演:濮存昕、杨立新、梁冠华以一身休闲的衣着出现在重庆大剧院,《茶馆》媒体见面会上。今日起,《茶馆》将在重庆大剧院连演三场。谈到《茶馆》,濮存昕表示:“希望《茶馆》能像重庆的白鹤梁题刻一样,在几百年后还能让人们看得到。”

让话剧《骆驼祥子》回归原著精神

时间:2013年01月25日来源:《中国艺术报》作者:许 波

  根据文学作品改编而成的话剧作品不胜枚举,文学尤其是小说构成了话剧剧本的重要来源之一,其中不乏经典之作。仅就中国的话剧舞台来讲,最具代表性的当属曹禺先生对巴金小说《家》的改编。近年来,改编自萧红同名小说的话剧《生死场》、改编自张爱玲小说《红玫瑰与白玫瑰》的同名话剧及改编自她的另一部小说《十八春》的话剧《半生缘》等,都给广大喜爱话剧的观众留下了深刻的印象。尤其是田沁鑫根据老舍长篇小说《四世同堂》改编的同名话剧,更是获得了理论界和观众的一致好评。考察这些改编成功的话剧作品,可以发现他们都有一个共同的特点,那就是改编一定不能背离原著的精神。

  发表于1936年的长篇小说《骆驼祥子》是老舍先生的代表作。1957年著名导演梅阡将其改编成话剧,并执导演出,1980年和1989年两度复排重演。2007年顾威导演根据梅阡的剧本重新排演并在首都剧场公演,今年元月又再度在首都剧场公演。可以说,话剧《骆驼祥子》已然成为北京人艺的保留剧目和经典剧目。然而,由于历史原因,话剧《骆驼祥子》在改编之初便与原著精神存在巨大差异,这差异最主要表现在对祥子命运走向的揭示上。在小说中祥子在经历了“买车丢车”的三起三落后,随着虎妞和小福子的去世,一步步走向堕落,逐渐从一个淳朴的靠力气吃饭的本分“良民”沦落为一个不知廉耻的偷奸耍滑的无赖,一个堕落的猥琐的自私的“社会病胎”,正如小说最后一段所写“体面的,要强的,好梦想的,利己的,个人的,健壮的,伟大的,祥子,不知陪着人家送了多少回殡;不知道何时何地会埋起他自己来,埋起这堕落的,自私的,不幸的,社会病胎里的产儿,个人主义的末路鬼!”而在话剧创作中,则将祥子塑造成一个“无数次打击让祥子看到了生活的严酷,也让他真的像骆驼一样,‘肩膀上多沉,路多远,也不能叫人压趴下。’他将在人生的路上,顽强地继续走下去”这样具有坚毅性格的积极向上的理想人物。在话剧结尾,祥子对小福子说等自己混好了来接她,很自信,完全是一副不畏艰险的样子,这与小说中的祥子形象形成了巨大反差,完全违背了原著精神和人物性格特征、人物命运走向,是对原著的颠覆性改造。造成这种结果的根本原因在于当时的社会历史条件——作为特定历史时期的产物,剧本的这种改编是可以理解和接受的,但今天还按照那个特殊年代改编而成的剧本进行演出,便颇值得商榷了。

  作为主人公的祥子,如果他的性格和命运与原著反差巨大,那么观众就有理由问,他还是那个老舍笔下读者耳熟能详的那个人物吗?如果不是,又有什么理由要打着他的旗号呢?作为特定时代的产物,观众能够接受这种剧作,但在改革开放、思想解放30多年后的今天,剧作者(现在的创作者)是否应该让剧作回归原著精神、让观众领略到真正的《骆驼祥子》、“看”到那个符合自身发展轨迹和时代影响的祥子的形象?我以为这是创作者应该认真思考并必须做出选择的重要问题。可惜的是,在今年的首都剧场,观众看到的依旧是54年前的那台既看不到原作精神风貌、也看不到人物性格特征和作品所表现的时代历史真实的、烙有鲜明特定历史时期痕迹的“旧剧”。

  对于文学作品尤其是经典作品的话剧改编,可以说是见仁见智,不必也不可能完全拘泥于原著,而且也必然会受到所处时代的影响,但有一条是必须要遵循的,那便是忠实于原著精神。作为特定历史条件和特定历史时期的产物,话剧《骆驼祥子》的创作从一开始便先天不足,可说是个畸形儿。今天,当再次将其搬上舞台时,我以为当下的创作者首先要做的,便是让其回归原著精神,呈现给观众一个真实可信的、没有被篡改和玷污的《骆驼祥子》。然而,事实却让我深感失望。我期待着能够尽早看到一部忠实于原著精神的话剧《骆驼祥子》。

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  黑海国际戏剧节是一个知名国际戏剧节,其参与国逐渐从黑海地区向世界各地扩展。我国上海话剧艺术中心的《人模狗样》、《白蛇传》曾先后参加这个戏剧节。豫剧是我国地方戏曲中的大剧种,近年来李树建院长带领的豫剧二团到很多国家和地区演出过,他的“忠孝节”三部曲《程婴救孤》《清风亭上》《苏武牧羊》影响都很大。《程婴救孤》曾赴欧洲演出过,大受欢迎。此次《清风亭上》之所以能征服国外观众,一是其剧情讲的是孝道,孝道比较接地气儿,虽然中西方价值观不太一样,但家里伦理都是要讲的。此外,《清风亭上》由传统戏《清风亭》改编创作而成,剧情更为生动、合理,舞台呈现也很丰富,音乐唱腔优美动听。很多外国观众表示,演员的表演很好,很生动,不用看字幕也能看得懂。二是这个戏演员不多,道具简单,也适合于出国演出。原本两个多小时的戏根据外国观众的观看需求,压缩到1小时50分钟左右。而小继保、大继保这个角色,以前由两个或三个演员分别扮演,这一次由青年女演员吴江南一人承担,为了保证演唱效果,特意请该剧作曲赵国安对大继保的唱腔进行了适当的调整。三是作好普及工作,乐队成员在演出前还加演了豫剧曲牌连奏,让观众领略豫剧音乐的魅力。土耳其著名女作家古丽仙看完演出意犹未尽,赶到演员驻地和主创人员进行交流,询问豫剧的历史、表演方式、服装样式、男扮女装等问题。并说自己感觉豫剧的表演是很多种表演艺术形式聚合在一起的,虽然语言不通,但通过演员的表演感受到了孝道和叛逆。生活中我们用头脑来判断对与错,看演出时,我用心来判断,我的心颤抖了。

  《茶馆》是中国话剧“非遗”的代表作

《我们的荆轲》剧照

  《清风亭上》主演、著名豫剧表演艺术家李树建曾说,香玉大师将豫剧推向全国,我们这代豫剧人应当将豫剧推向世界。河南省豫剧二团在这方面进行了成功的尝试,并计划组织三五部经典传统剧目进行全国和世界巡演,以实现豫剧的“世界梦”。

  濮存昕、杨立新、梁冠华三位主演昨天白天专程去涪陵参观了白鹤梁水下博物馆,谈到此行的感受,三人都表示印象深刻。

  日前,由莫言编剧、任鸣导演的北京人艺的原创剧目《我们的荆轲》在北京国家大剧院再度上演。全剧融会传统与现代,借古讽今、内悲外喜的深层表达以及勇于解剖自己的反思和批判精神,连同其汲取传统戏曲养分的同时又恰到好处地有所创新和丰富的舞台语汇,把严肃的主题蕴涵在了诙谐的表演、流畅的节奏与简约内敛的舞台之中。尤为难得的是,导演敢于不借助过去的有效手段、不追求外在形式的新颖和花哨,抓住戏剧艺术的本质特点创造舞台形象、开掘戏剧场面,充分运用重复、对比、反差等手法,用丰富、独特的想象力和创造力,并通过运用各种舞台手段,创造出立体的舞台形象,彰显剧作的文学性,张弛有致地将剧作的思想情感传递给观众并引发思考,都昭示着突出话剧内在民族性、促进话剧民族化的不懈努力。

  豫剧《清风亭上》在国外获得的成功也给我们广大戏曲工作者以启示,那就是要创作出更多更好的能引人共鸣的精品佳作,而不是一味地搞大制作和政绩工程,从而让中国戏曲能够真正地走出国门,征服世界。

  濮存昕感慨地说:“能把三峡的文物保存下来,这是太重要的事情,重庆真的尽了最大的努力、下了最大的力气在做这个事情。”

  因而,表面的“空”台上,实际的设置并不简单:一个斜的平台加一个转台和一个长平台,它们的斜置、平放、运动、侧放或旋转,再加上随时可以从天而降的各种软景,令写意的虚景不仅能够自由地穿梭“古(戏剧时空)今(剧场时空)”,利于剧作主旨的表达乃至扭结起外部环境与人物的内心空间,而且能够以虚击实,充分发挥出戏剧本身的潜力。而对于戏剧场面的开掘和呈现,导演则是以多层面、多角度地运用舞台语汇,调动一切手段进行揭示和渲染,在演出中有条不紊地建立起了一种形象、立体的叙事方式,并将之从视觉的震撼化为了一种深入思想的冲击力,增强了全剧的整体舞台效果。如表现狗屠和秦舞阳在配合高渐离讲解刺客图一段,在转台上的长形平台自然而然地就转化成了一个戏中戏的舞台,吸引着观众的注意力。二人那种“动漫式”地图解历代刺客故事的夸张表演,对于调侃和揭示众侠士声名之下的那种可笑的本质,则具有点晴的作用。正是对于“笑点”的把握和控制的恰到好处,使之不但在轻松好看的场面中完成了对于严肃主题的展示,还能在笑声中引发观众的反思。此外,与之同步的几幅具有秦汉画像砖般古拙感觉的巨大的刺客图一张一张从天幕垂降,令三者的叠加彻底打破了写实原则,不仅增加了演出的整体气势,而且历史的纵深感和沉重感也令整个场面瞬间就“活”了起来,可谓多方位、立体化地造就了一个悲喜交融的场面。

  说到即将上演的《茶馆》,濮存昕将其比喻为中国话剧“非遗”的代表作。

  而当完成了由喜转悲的重要场面展示,第九场《壮别》中荆轲的“呼唤高人”,则是全剧穿透人生表象、观照人生的一次拷问与探寻,成为全剧的情感高潮,既是剧中人物一直激动不安的内心世界的一次全面展示和爆发,更是荆轲走向自我反思和觉悟的顶点。因此,在易水边的送别场面,导演借助戏曲的节奏感、仪式队列等,调动所有的舞台表现手段叠加和递进,营造出颇具先秦气势的悲剧意境。当众人退到舞台后方,空空的斜台上,也考验着演出者内在的艺术才能。荆轲在这生死的边缘,在众人“杀、杀、杀……”的敦促声中黯然凝神的短暂停留,借由停顿的力量,观众可以感受到他内心的挣扎与无奈:赴死前对生的一丝留恋、对燕姬的愧疚、对自我的反思以及为时已晚的觉悟等,都促使荆轲重新反思和审视自己的所作所为,探讨自身的意义与价值——为了逃离凡夫俗子的人生境遇而付出尊严、情感、生命乃至灵魂的代价,是否太高?完美的人生境界又是否能够实现?……因此,“这一个”荆轲不仅有着“肉”的贪恋,还兼有“灵”的觉醒。而舞台上荆轲从追求声名到拷问自身的反思和转变、其内心激烈的自我挣扎,映射出的却都是现代人内心深处的思考与困惑。这,无疑也是全剧与当代观众精神世界的契合点。不过,在这种寻求对于人物、作品精神深度的开掘和提升全剧精神高度的过程中,凝结着作者思想的精华,但作为“荆轲”这个人物,其实已不能完全承载作者的思想。因此,此时当剧作的内涵和思想都被准确传达出来的同时,剧场性有所减弱。然而,导演对于舞台时间空间的独特处理以及运用演员形体的韵律感乃至对于仪式和造型的突出等,可算是最大限度地弥合着二者之间的裂痕。

  由老舍先生创作的话剧《茶馆》,是中国话剧历史上最经典的代表剧目之一。著名导演焦菊隐曾把《茶馆》比作一幅“清明上河图”—— 上到前朝贵胄、封疆大吏,下到贩夫走卒、流氓地痞,他们在风雨飘摇的时代里各自挣扎求存。《茶馆》浓缩了一个大时代的背影,给一代又一代的观众们留下了深刻的记忆。

  总之,全剧完整、流畅地运用多种舞台表现元素,以它空灵的舞台表现、虚实相生的时间空间,强化了剧作的诗意,令全剧弥漫着一种收放自如的气韵;舞台处理的细致而又不见雕琢,展示出导演驾驭“空”的能力。尤其是在另辟蹊径、求新求异、展示自我成为一些人创作根本目的的当下,能够始终忠于戏剧本质、不靠过于外在和激烈的舞台技术和手段来博取观众喝彩的创作者们,更值得我们尊敬。当然,不创新满足不了观众日益增长的审美需求;但是,完全脱离传统,又将失去民众固有的、认同的欣赏基础。只有秉承先继承后创新的原则,在继承之后发展、在坚守中超越,充分发挥、开掘出民族戏剧传统中的现代感,才有可能创作出真正兼具思想性和艺术性的戏剧作品。如今,一些优秀的话剧作品不再只满足于运用中国戏曲艺术之“形”,而日益注重于其内在的韵味和节奏,适当采用戏曲的线性结构方式而又重新赋予其新的时代精神、现代意识并加以变化和创新——这是《我们的荆轲》给人的启示。

  从1958年3月首演至今,《茶馆》已经演出了614场,成为了北京人艺的“镇院之宝”。

  昨日,濮存昕说,希望《茶馆》能一代一代地演下去,就像重庆的白鹤梁题刻,在几百年后人们还能看得到,“这就是经典的力量。”

    不能为了讨好年轻观众,把经典变成连环画

  此次来渝演出的《茶馆》由著名导演林兆华指导复排,是根据老的影像资料恢复焦菊隐先生排演的版本,在最大程度上保持了这碗“茶”的“原汁原味”。

  据介绍,《茶馆》的每一幕戏甚至可以精确到分钟:第一幕32分钟、第二幕47分钟、第三幕57分钟。《茶馆》演到今天,每一幕的时长一分钟都不差。

  杨立新称,《茶馆》在观众的心中有着至高无上的地位,老舍先生的“字字珠玑”,都不会改。

  对于如何吸引年轻观众走进剧院来欣赏《茶馆》的问题,三位主演都表示,经典作品,就是雅俗共赏,老少皆宜的。

  濮存昕称,《茶馆》在北京演出时,就有许多年轻观众来看,在欧洲,话剧的年轻观众也不少。

  “我们不能给《茶馆》贴上新的标签。”梁冠华说,“经典不能变成连环画去吸引年轻观众,经典就是经典。”

    “我这个胖的王掌柜,观众能接受吗?”

  在《茶馆》的结尾处,有一幕濮存昕、杨立新、梁冠华同时出场的戏,这场戏三人演得感人至深、催人泪下。

  三位主演是否是在互相“较劲”、飙戏?

  在“常四爷”濮存昕看来,“演《茶馆》演到现在,角色已经长在了每个人身上,大家已经不太使用小招数,达到了一种没有表演痕迹的表演状态。舞台上,一句台词还没落地,便已有其他演员接住了,这种互相接着、互相帮衬的表演状态也正是《茶馆》区别于其他戏的地方。”

  事实上,最初接到《茶馆》中的角色时,他们心中都很忐忑。

  梁冠华说,刚进剧组时,他就想,于是之演的王利发给观众的印象太深刻了,“我这个胖的王掌柜,观众能接受吗?”

  林兆华给了梁冠华很大的帮助,当时他问梁冠华,“一个茶馆,风雨飘摇六十年不倒,光凭着苦大仇深,怎么可能支撑下去?”

  梁冠华就想,“这个掌柜必须有乐观的心态,不管外界怎么着,都得乐乐呵呵的,抱着希望。然后,就是这么一个人,都活不下去了,这才是真正能让人感受的悲剧!”

  梁冠华坦言,演了十几年的《茶馆》,自己的内心已经从当初的“忐忑”走向“平和”了。

  而出演秦二爷的杨立新最初接下这个角色时,如同抱着一个2000斤的面包,不知从何下嘴。“从‘敬’到‘畏’,整个创作过程如同抽丝剥茧。”

  如今,杨立新也表示,“现在演起来觉得特别过瘾。”

    经典是如何诞生的?

  1954年9月,老舍酝酿创作一部配合宣传普选的应景之作——三幕话剧《秦氏三兄弟》。

  1956年12月,初稿完成后,老舍来到北京人艺,在二楼的一间会议室里给曹禺、焦菊隐、欧阳山尊等人朗读剧本。大家一致认为剧中第一幕描写秦家开设的“裕泰大茶馆”的故事最精彩。于是,研究决定抛开普选的题材,以“茶馆”为基础单独成戏,以小见大,反映整个社会变迁。

  3个月后,老舍准时把重新写好的剧本交到北京人艺,剧本以老北京裕泰大茶馆的兴衰为背景,通过对茶馆及各类人物的描写,反映了从清末、民初到抗战胜利后3个不同时代近半个世纪的社会面貌,定名《茶馆》。

  《茶馆》写成后,老舍数次修改。其中一稿结尾是“王掌柜救了革命者,自己饮弹牺牲”。当时于是之提意见说,希望在结尾处有几个老头儿话沧桑的戏。老舍只是“嗯”了两声,并没有说话,于是之也没再说什么。没想到一周后,老舍写出了3个老人说着掏心窝的话,最后掷起漫天纸钱的结尾,如今成为经典一幕。

  《茶馆》正式排入了北京人艺的演出计划,1958年3月29日,由焦菊隐导演的《茶馆》在首都剧场公演,由于是之扮演王利发,郑榕扮演常四爷,蓝天野扮演秦仲义,其他角色由黄宗洛、林连昆、英若诚等扮演。

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