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昆曲的美丽与忧伤,在商业氛围中坚持艺术的理

文章作者:全天时时计划戏剧 上传时间:2019-11-10

艺术创作的价值选择概括地讲大致有三:艺术性的选择、政治性的选择、市场性的选择。其中,艺术性的选择是从心而发,目的是让人在心灵、精神上有所收获;政治性的选择则是配合主流意识形态,从当下形势需要出发,目的是获奖;而市场的选择是着眼于演出场次,目的是挣钱。

“原来姹紫嫣红开遍,似这般都付与断井颓垣。良辰美景奈何天,赏心乐事谁家院。朝飞暮卷,云霞翠轩,雨丝风片,烟波画船,锦屏人忒看的这韶光贱。”看到这段文字,心无所动的人大概很少。在以前,它让人想到文学的《牡丹亭》;而今,是昆曲的《牡丹亭》。

当中国的小剧场戏剧在积极探索各种舞台表达的可能性时,国外的小剧场戏剧又在经历什么?在第四届北京国际青年戏剧节上,上演了多部国外戏剧作品。9月24日,当来自荷兰、日本等国家的演出团代表在蜂巢剧场的舞台上坐定,刺眼的黄色灯光洒下来,背后是当晚要演出的荷兰戏剧《小鹿斑比·第八季》的舞台布景,这个时空,怎么看都与即将开始的国际戏剧文化交流论坛无比契合。作为第四届北京国际青年戏剧节的论坛之一,本次探讨的话题,将揭开国外小剧场戏剧真实的生存状态。

国家话剧院出品话剧《青春禁忌游戏》走进首都师范大学

时间:2018年05月08日来源:中国文艺网作者:王渝

“美焕文心—第二届首都师范大学艺术季”中国国家话剧院专场演出举行

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  5月7日晚,由中国国家话剧院出品、演出的话剧《青春禁忌游戏》在首都师范大学进行演出。图为演出结束后,首都师范大学相关负责人与该剧主创、演员们合影。

  “直面现实,揭示真相,真实的塑造典型环境中的典型人物,具备鲜明的批判精神和深刻的反思态度,拥有冷峻、温暖的人文关怀与兼容探索的审美呈现。”中国国家话剧院著名导演査明哲在其若干剧目实践中,紧抓着这样的尝试和表达。2003年,査明哲将翻译为《青春禁忌游戏》的20世纪80年代前苏联话剧《叶莲娜·谢尔盖耶夫娜》搬到中国的舞台上,而这部话剧更是在15年来演出200多场,“青春”魅力不可阻挡,成为众多大学生剧团“必排之戏”。5月6日、7日晚,作为“美焕文心——第二届首都师范大学艺术季”唳天戏剧月中的重要活动,《青春禁忌游戏》走进了首都师范大学的校园,这也是该剧2017版的演员们第一次进入高校演出。

  《青春禁忌游戏》讲述了四名青年学生希望得到由女教师叶莲娜保管的存放着试卷的保险柜钥匙来偷换失败的考试试卷,以过生日之名跑到老师家中,精心策划并实施了残酷的“游戏”。该剧表面上是讲述青少年的成长问题,实际上对社会的阴暗面给予了强有力的讽刺——对“善”与“恶”的辩证思考,对精致利己主义的鞭挞,对成人世界利益交换污染到孩子纯真心灵的痛惜。曾荣获第五届中国话剧金狮奖表演奖、第24届中国戏剧梅花奖的表演艺术家刘晓翠扮演女主角女教师叶莲娜在舞台上大放异彩,她将一位本性柔弱善良,但明辨是非、意志坚定的前苏联女教师刻画得入木三分,情绪饱满、富有张力,“勿以恶小而为之”的精神更是感染着现场观众。同时,观众也将热烈的掌声送给了瓦洛佳的扮演者、青年演员查文浩,他演绎的心思缜密、性格扭曲、疯狂自负、不择手段的优等生,不仅让剧中的女教师叶莲娜,也让观剧的师生们对教育体制带来的负面效应产生了深入的思考。诚如査明哲导演所言,“对人性的探讨与拷问,不会过时。”时代变了,“禁忌游戏”却仍然与青年一代的青春息息相关、休戚与共,这也是这部戏走进校园的启示意义。

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  5月7日晚,由中国国家话剧院出品、演出的话剧《青春禁忌游戏》在首都师范大学进行演出。图为演出剧照。

  国家话剧院院长周予援、首都师范大学党委书记郑萼以及首都师范大学相关负责人和师生们共同观看了本次演出。在演出开始前进行了颁发聘书仪式,聘请周予援、査明哲为首都师范大学文学院名誉顾问,聘请查文浩为文学院唳天剧社特邀指导老师。唳天戏剧月还将在5月20日、21日上演由唳天剧社带来的《恋爱的犀牛》专场演出,5月25日还将举办京津冀戏剧教育高峰论坛活动。

现在很多专职编剧们和国有剧院团都把目光放在评奖上。究其原因,是因为另外两种选择很难,比如艺术性的选择,由于种种原因很难上演。市场性的选择也很难,戏剧在今天,面对的是前所未有之困局。在消费主义和娱乐文化大行其道的当下,视频碟片、卡拉OK、二人传、超级选秀、电视征婚、网络文学、微博等,极大挤压着戏剧的生存空间,有作者感叹,当下的观众“不是上帝是魔鬼”,他们就是不爱进剧场。

6月11日,我国第6个“文化遗产日”,一场题为“春色如许——昆曲的美丽与忧伤”的讲座在国家图书馆古籍馆临琼楼举办。主讲人是原中国昆剧研究会会长、北方昆曲剧院副院长丛兆桓和中国艺术研究院研究员刘静。到今年5月18日,昆曲被联合国教科文组织列为“人类口头和非物质遗产代表作”已经整整10年。

表现社会还是表达内心?

但是,我们应该如何面对这种现实呢?是无所作为,怨天尤人,怀念过去,还是积极反省自身,转变观念,亮剑面对?我们是消极地只往一条奔奖的路上挤,还是顺应潮流勇敢地闯入市场,或者为了艺术沉下心来,用面壁十年的精神来打造真正的精品,比如《红楼梦》,比如凡高的画,在有生之年可能看不到成功,但最终能实现永恒?

600年前,顾坚“善发南曲之奥”,明初有“昆山腔”之称;500年前,魏良辅生,集南北曲之大成,创“水磨调”,后人谓之“昆曲”;450年前,梁辰鱼用新腔昆曲编演《浣纱记》传奇,“昆剧”形成。由此,昆曲走向鼎盛:“临川四梦”、“一人永占”、“南洪北孔”、“家家收拾起,户户不提防”。

国外的小剧场戏剧,在创作题材的选择上,有哪些侧重?创作者更关注现实社会还是自我思想和观念的表达?

只要我们还相信戏剧不会消亡,相信戏剧这种在特定场域中与观众进行交流的艺术不会被其它的品种取代,那么我们就首先要从自身找原因。己不立,如何立人?我国的电影事业也曾面临过困境,也曾悲观失望过,可是他们积极面对,现在也走出了困境,生机勃勃了。

讲座的间隙,中国戏曲学院的师生盛装亮相,演出《游园》片段,仿佛穿越苍茫的时空,回到过去,尽管室外的炎夏惊雷提醒着我们,这是在400年后。

“大象在房间”戏剧工作坊,其本身和它的名字一样独特,该工作坊的导演丰翼和编剧梦琴能说比较流利的中文,他们在伦敦大学认识,都对中国当代戏剧很感兴趣,2009年来到中央戏剧学院读书,两人合作创立了这个戏剧工作坊,称它“一半中国一半西方。”

那么,我们要反省些什么呢?

曾和人聊起为何喜欢昆曲,回答很简单:美。

作为一个定位独特的戏剧工作坊,“大象在房间”的创作题材,会侧重表现什么?介于中西方之间,他们更加关注中西之间的不同之处还是相同之处?梦琴表示,他们在舞台上找的是中西方社会的相同点。本届青戏节,他们创作的《FACEHOOK|人人网开心》被列入“再度关注”单元,在蜂巢剧场演出两场。“这个故事非常简单,就是一个人开一个人人网账户的过程。我们通过它表达社交网络在全世界范围内对现代人生活的影响。”梦琴说,“比如有一场戏探讨社交网络的话题,中国演员用中文说话,西方演员用英文说话,因为中西方的社交网络有所不同,我们就用不同的方式去说这个话题,比如中国人在开心网上偷菜,西方观众可能无法理解,那就再讲一些facebook中的一些游戏的特点。”

比如,要反省我们的浮躁心态,反省我们急功近利的选择。我们是否仅仅注重评奖,得了奖就刀枪入库,马放南山了?要反省是否只要自己拿了稿费有了名气,就以为达到了目的?

“美对昆曲而言无处不在。”刘静说,“昆曲把曲词、音乐、美术、表演之美熔铸一体,叙述一个完整的故事,在舞台上营造出如诗如画的意境。”

日本戏剧评论家、东京小艾丽丝剧场制作总监理事长西村博子跟随日本的《沉默之王》剧组参加了本届青戏节。对于日本小剧场戏剧侧重于表现社会现实还是艺术家个人的思想,她很明确地表示:“日本几乎所有的小剧场艺术家,都在坚持表现自己。当然也因人而异,也有一些创作者对社会问题比较关心,但这也是在表现个人想法的前提下,自然而然流露出来的。”

再比如我们应看到走向市场是大势所趋,通过文化体制改革,院团从事业单位走向经营实体是必然的,我们对戏剧创作不能再把宝押在一个点上,眼睛只盯着奖。现在是个多样化的时代,像我等老一些有经验的作者,创作之初首先就想到我这个戏写了是不是白写,能不能上演,领导会怎么看,剧团会怎么看,能不能通过,久而久之,这就导致习惯成自然,只有这一条腿好使,只好看面子凭人情听命令写一些戏。我们是不是应深刻反省一下,我们还有没有戏剧艺术真正的冲动?如果这种观念深扎心中,作者、剧院团、主管官员都是这样的心态,就导致当下的戏剧只能有一种可能了,就是紧配合,奔获奖,路越来越单一化。其结果大多是急功近利的急就章,所以只能是短命的。

“昆曲是民族古典美学完整的舞台体现。”丛兆桓说,“爱文者赏其词,爱乐者赏其音,爱美者赏戏箱,爱戏者赏表演。”

西村博子还建议戏剧创作者:“不要把戏剧理解成有什么规矩的东西,应该始终带着怀疑的精神去表现自己。”她拿着当天面世的《新锐戏剧档案》说,这是10年来中国青年戏剧家们探索小剧场戏剧的集大成,但是她认为,最好不要做成规规矩矩的书,而是拿到这本书,撕开了拿着其中的几页就可以去复制、排练和演出,“是一种更具开放性和自由度的东西,这是小剧场戏剧的精神。”

但是我们更不能还沉缅于象牙塔里以清高自居,戏剧过于个性化也是有问题的,戏剧毕竟要有观众,他们看不懂、不喜欢、不进剧场,你骂娘也没用。

在明清士大夫数百年的潜心经营下,昆曲臻于完善。他们的理想、娱乐、情感、欲望皆投注于昆曲,“情不知所起,一往而深”,奏出了书卷间的弦歌流响。

戏剧在发生什么变化?

当下市场影响是强大的,市场之影响是一柄双刃剑,对艺术有激励作用,也有破坏作用。市场的选择是功利的,目标是挣钱。这不奇怪,市场的本质就是买和卖,所以一些精英们被商品大潮冲击得落叶缤纷。很多艺术人士看到赵本山们全盘通吃,嘴上说看不起,其实心里是很羡慕的。

对他们而言,生活便是艺术,艺术也就是生活。而生活,却如博尔赫斯所问:“假如生活并非不朽,那它也未免太可怜了。”很不幸,我们的生活不只不是不朽,反而是速朽的。美丽的事物总是短暂的、不确定的。

在这些国外戏剧工作者的眼中,中国小剧场戏剧近年来发生了什么变化?他们如何看待中国青年戏剧导演的作品?他们本土的戏剧创作又经历过怎样的过程?

我想我们的反省首先要放下高人一等的心态,学习北京小剧场和二人转班子走市场的经验,我们不能只看他们低俗的一面,要思考,借鉴他们的长处,比如二人转演员极强的市场意识我们有吗?他们最大化适应观众的本领我们有吗?他们每个人都身怀绝技,多才多艺,以一当十的表演能力我们有吗?他们极强的宣传炒作的本领我们有吗?我们已经更多习惯于听命上级来写作,而不是从观众出发来创作,这种单一僵化的形态是戏剧创作的大敌。如果说创新是艺术的生命,我们是不是应反思一下近年来我们的舞台上有多少新的形象,新的表达样式?再比如,我们创作前有过周密详实的市场调查吗?一说要获奖就拼命堆钱,眼睛只盯在评委身上,这是违背市场的,也是背离大众的。我们要学美国商业戏剧,他们非常重视调查观众的要求和心理,在这方面我们做了多少?

我们见到的太阳是8分钟之前的太阳,见到的月亮是1.3秒之前的月亮,见到一里以外的建筑是1.7微秒之前的存在。即使我们距离舞台只有1米,见到的也是3纳秒以前的表演。

15年前,《沉默之王》的制作人、东京小艾丽丝剧场艺术总监丹羽文夫曾来北京参加过一个小剧场戏剧节。15年后,当他再次踏上北京的土地,这个城市的变化和中国小剧场戏剧的变化,都让他感到震惊,“中国小剧场戏剧的内容和表现方法和15年前有天壤之别”。15年前,他看到的中国戏剧,“以现实主义为主流,以台词为中心,有些戏好人坏人一目了然”。今年他看了两部中国导演的以形体表演为中心的戏,“尽管表演手法有区别,但共通之处很多,探索性比较强,价值观也比较接近。”

当然,选择和表达时,我们也要警惕别往好肉里掺水,使作品成了假货,现在我们的假货太多了,而且有的假货也能获大奖。精神产品有假更可怕,现在的许多戏剧一方面掺非艺术的水,一方面掺市场的水——大加低俗的噱头恶搞,走向市场变成取媚大众。好的艺术作品还是要告诉人们一些有意义的东西,否则何谈价值!

现在时是不存在的。美丽总归灰飞烟灭。古代的文人似乎已经深谙此道。“如花美眷,似水流年”,虽说是戏中词,却道的是人间情。这一点古今并无二致。

他特别提到了其中一部,即赵淼的《九种时刻》。他印象最深的是其中的一个美女爬墙的场面。“美女和爬墙的组合,使人感觉到纯粹的美。无需更多的解释,让观众能感觉到纯粹的美就够了。”他说。

戏剧的选择不能仅关心富(钱)和贵(奖)。我们有良知的创作者选择表达时首先要想到这一点。撒切尔夫人写过一本书《治国方略——应对变化中的世界》,她在书中断言:中国成不了超级大国,因为“中国没有那种可用来推进自己权力而削弱西方国家具有国际性传染性的学说,今天中国出口的是电视机,而不是思想文化观念”。这话很深刻也很尖锐,影响很大。回答好这个问题是我们从事创作的人的责任。

明清文人的深厚学养,为昆曲注入了独特的审美品位,他们对空灵境界的追求,赋予了昆曲曼妙的意境,加之内心深处对社会人生的哀怨、悲凉的感受,使得昆曲在文词、音乐、唱腔上每每显示出惆怅、缠绵的情绪。

西村博子则介绍了日本戏剧几十年来的变化。上世纪60年代初,日本戏剧界发生了一场革命:现实主义戏剧过渡到了小剧场运动。但到了80年代,现实主义戏剧又回归了,但小剧场戏剧没有随之衰落,两者并存使日本戏剧呈现出多样化状态,但现实主义戏剧相对更受欢迎,“因为观众容易理解,小剧场戏剧更多是个人化的东西,想引起轰动比较难”。但时至今日情况又发生了变化,“20年来创作了很优秀的现实主义戏剧的创作者们,这几年不怎么创作了,同时,一股新的创作力量又在崛起。”

(作者为辽宁省艺术研究所副所长,一级编剧)

《千钟禄》里,朱棣攻陷南京,建文帝剃度出逃,唱的是:

从两年前开始参加青戏节,丰翼看了不少中国小剧场戏剧。今年他看了何雨繁的《卡里古拉的月亮》。他最大的感受是,现实主义的表演风格和中国小剧场戏剧的表达主题有些错位了。“中国戏剧演员用学院派的现实主义表演风格,去参演一些非现实主义的戏,会产生冲突,影响这些戏演出的质量和效果。”

收拾起大地山河一担装,四大皆空相。历尽了渺渺程途,漠漠平林,垒垒高山,滚滚长江。但见那寒云惨雾和愁织,受不尽苦雨凄风带怨长。雄城壮,看江山无恙,谁识我一瓢一笠到襄阳。

靠戏剧能养活自己吗?

《长生殿》里,安史之乱后,李龟年流落民间,唱的是:

在中国,创作者们靠做小剧场戏剧养活自己目前还比较困难,那么,国外的演出团体面对的是什么样的市场环境?他们能否靠做戏养活自己?

不提防余年值乱离,逼拶得岐路遭穷败。受奔波风尘颜面黑,叹衰残霜雪鬓须白。今日个流落天涯,只留得琵琶在。揣羞脸,上长街,又过短街。那里是高渐离击筑悲歌,倒做了伍子胥吹箫也那乞丐。

丹羽文夫表示:“要想靠戏剧发财或者生活得更好,是不可能的。日本戏剧从整体来说,生存都比较艰难,但一些商业戏剧另当别论。”

曲尽悲凉。既是兴亡之悲,亦是人生之叹。时过境迁,后来者依旧能从这项“遗产”里感受昆曲作者的心灵。

西村博子补充道:“几乎所有小剧场戏剧的工作人员,都兼职做别的工作。目的就是挣钱回来做小剧场戏剧,追逐自己的梦想。”也有少数剧团因为演出了很好的戏,或者产生了非常优秀的演员,从而在社会上有了大的影响,就可以从政府、财团或民间组织那里得到一些赞助。“但得到赞助后,就不要再指望他们创作出优秀的戏了。”她说。

他们寄托于昆曲,在艺术里追求永恒。他们创造了中国戏曲史上具有最完整表演体系的剧种,影响所及,文学、戏曲、音乐、舞蹈概莫能外。但精美如昆曲者也未能逃避成、住、坏、空的命运。

荷兰的小鹿斑比剧团,因为是个优秀的剧团,而且政府比较支持文化事业,所以能获得政府的资助。该剧团的负责人皮特介绍,剧团首先要做一个计划书,提交到当地政府,政府委员会通过评估,决定同意资助后,会拨给剧团一笔钱,用来支持剧团时长4年的项目。

200年前,徽班进京,花雅竞放;100年前,昆曲式微,不绝如缕。60年前,被誉为“盛世元音”的昆曲濒临灭绝。

关于小鹿斑比剧团的建构,皮特介绍,剧团只有两名固定员工,定期发给他们薪水,另外的工作人员比如编剧、舞美等都是根据项目灵活邀请的。但目前剧团也面临一个问题:明年是4年资助计划的最后1年,新的政府对文艺的投入不是很大,这让皮特感觉剧团未来的路也不好走,“过了明年,再申请政府资助的话,不一定能申请到了”。

北京解放前夕,不少像白云生这样的昆曲演员迫于生活,不得不改行以养家糊口,卖大碗茶、卖大白菜。师傅韩世昌一家住在漏雨的尼姑庵里的情形让如今已经80高龄的丛兆桓记忆犹新。

1956年,《十五贯》救活了昆曲;20世纪60年代,江青说《李慧娘》“反党”,昆曲又被禁绝13年;改革开放后,昆曲又遭市场的冲刷。

10年前,昆曲被确定为人类的遗产。“昆曲热了、火了,时髦了、浮夸了,忘本了、失神了。”丛兆桓说。

“不惜歌者苦,但伤知音稀。”丛兆桓用这句古诗来概括60年前的昆曲处境,大概今日仍然适用。

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