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艺术中心首展,古韵新意紫砂魂

文章作者:时时彩最精准人工计划艺术家 上传时间:2019-09-17

图片 1石门二十四景之棣楼吹笛图(国画) 34×45.5厘米 1910年 齐白石 辽宁省博物馆藏

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2018年9月22日上午,“一寸光阴一寸金”当代雕塑展在天津陆+艺术中心开幕,此次展览由卢征远担任策展人,是“陆+艺术中心”的启幕艺术展,同时也是天津首个举办于购物中心中的名家联展,现场展示了隋建国、王少军、于凡、陈文令、史金淞、谭勋、卢征远等7位中国著名雕塑艺术家的作品。

2018年对于“白石老人”来说是忙碌而不平凡的一年。除了欧洲“邮票之国”列支敦士登国家博物馆正在展出齐白石作品外,7月18日,“清平福来——齐白石艺术特展”刚刚在故宫午门和西雁翅楼展厅开展,7月21日,“胸中山水奇天下”齐白石山水画特展又登陆北京画院美术馆。两个齐白石重量级大展遥相呼应,互为补充,通过不一样的“打开方式”,串联起一个立体而清晰的齐白石,使观者能够更加全面地认识齐白石艺术在当下的魅力与价值。

《海阔天空》 2009年 纸本设色

 

展览结合光影与色彩,拉近艺术家与观众间的距离,通过不同主题色彩的设定凸显每位艺术家独特的气质。观众在展厅的荧幕中穿梭,在影像的交叠中感受艺术家的音容相貌;在创作的细小动作中体会艺术家的心理变化;在不同主题色彩色彩的碰撞中,感受到艺术家外在的作品风格与内在的个人性情。

草虫花鸟世界中寄予和平

对过去没有后悔,对现在很满意。

    阳春三月的北京,柳絮飘雪,青枝吐翠。在乒乓球名将庄则栋的寓所里,来自中国紫砂文化之乡——江苏宜兴的高级紫砂工艺美术师陆顺大呈现出他最新的紫砂名壶,令庄则栋和他的家人及朋友们眼前一亮,拍案叫绝。惜墨如金的庄则栋,欣然挥毫,写下了“龙马精神”和“一球不争何以征服天下”两幅墨宝,赠予陆顺大,并将紫砂名壶收藏于书房。

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齐白石一生作画,巧夺天趣,融人生智慧于其中。晚年的他,常喜以《清平福来》为题,画老翁持瓶,蝙蝠展翅,来传达自己对安定、祥和生活的期许。如今,国泰民安,正是“清平福来”之景,所以当齐白石作品时隔64年再次“进宫”,主办方便以此为主题线索,引发人们关注齐白石艺术中的和平意蕴。

我随着潮流来,随着潮流去。

    陆顺大也将庄则栋馈赠的乒乓球拍视为无价之宝,爱不释手。他非常感谢这位曾经名扬世界的乒坛宿将对自己的鼓励和鞭策,并将庄则栋的叮嘱记在心里,“壶艺人品,相得益彰”。

现场艺术家及嘉宾合影

展览从故宫博物院与北京画院珍藏的齐白石作品中精选出200余件绘画、篆刻、文献,以“天道酬勤”“扶梦还乡”“老当益壮”“白石篆字”四个主题,全方位、多角度地呈现了“人民艺术家”齐白石勤勉艰辛的探索,心系故土的乡愁,老而不颓的豪情,刀锋印痕的心相。故宫博物院院长单霁翔表示,近年来,不少人都从经济价值来评价齐白石的功绩,而本次展览更希望从精神价值上来评判齐白石艺术,展现出一种文化精神,以达到促进世界各国人民交流互鉴、和平相处的愿望。

顺乎自然,心平气和。

 

艺术走进商场,让艺术生活化

展厅中,齐白石获得的“国际和平奖”证书与奖章、“人民艺术家”奖状等珍贵文献以及为祈愿世界和平创作的《和平》《清平福来》等作品格外引人关注。1956年,世界和平理事大会将“国际和平奖”授予年过九旬的齐白石。展览序厅特别制作了齐白石“国际和平奖”的颁奖答词,上面这样写道:“正因为爱我的家乡,爱我的祖国美丽富饶的山河土地,爱大地上的一切活生生的生命,因此花费了我毕生的精力,把一个普通中国人民的感情画在画里,写在诗里。直到近几年,我才体会到,原来我追求的就是和平。” 因此,从齐白石的作品中,观者总能感受到扑面而来的生命气息,无论是虬曲的线条还是明艳的色彩,似乎都在隔空诉说着白石老人的大爱与真情。

感谢天感谢地,感谢我接触到的人们,

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“作为本次展览的策展人,在展览的呈现效果上我主要从两方面考虑,其一学术品质的保障,邀请优秀的艺术家,为观众呈现美术馆级的作品。其二是设计更为有趣的展览形式,用颜色串联展览逻辑,让观众通过更直接的方式了解艺术家,用纪录片记录艺术家的创作过程和创作理念,在展览中呈现作品背后的创作故事。通过直观而有趣的展览形式让艺术在商业空间传播,起到普及艺术的作用。”策展人卢征远讲到。

值得一提的是,观众还可以在展厅中看到毕加索与齐白石两位大师创作的和平鸽,从中体会中西绘画的异同。齐白石所获“国际和平奖”奖状的左页,正好印着西方绘画大师毕加索画的和平鸽,而鸽子也是齐白石晚年花鸟画艺术的一个重要题材。为了画好鸽子,齐白石曾在家中饲养鸽子,观察写生、摸索研习,自成一格。在北京画院现存的画稿中,依然能看到他在画稿中注明的“大翅不要太尖且真”“尾宜长”等字样。

他们对我真好。

韩必恒大师收藏陆顺大《紫砂壶》

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此次展览展出的齐白石92岁时所绘的《和平鸽图》,即为艺术家和平鸽系列作品中的代表作。画面以鸽子、雁来红直观表达“和平”的象征:三枝红色淡墨的雁来红叶子与墨色浓重的鸽子浓淡相间,鸽子的红色喙爪又与红叶互相呼应,画面左上方以篆书题款“和平”二字。此画构图饱满,笔墨充实,营造出一个安宁祥和的境界,恰当而又含蓄地表达了和平安宁的主题。齐白石曾将自己画的鸽子与毕加索画的鸽子做对比:“他画鸽子时,要画出翅膀的振动。我画鸽子时,画翅膀不振动,但要在不振动里看出振动来。”

——戴泽

雕塑家、策展人卢征远致辞

山水世界中蕴藏裂变

2016年

而关于为什么在商场举办这样一场展览,卢征远表示:“艺术从不孤立,艺术的存在需要公众的传递。近年来,艺术的展示、分享空间,从专业美术馆、画廊拓展到商业、互联网等公共空间,为艺术的传播打开更多的可能性。天津陆+艺术中心提供了一个很好的平台,负责人金波非常努力热情,坚持高品质要求,用艺术为美好生活赋形,让艺术可以在商业空间发声。在这样的优质的平台,我希望展览坚持高艺术水准的同时,让更多的观众看到艺术,享受艺术带来的快乐,让具有国际水准的艺术作品,从美术馆和画廊走向更广泛公共化的场所。”

作为北京画院“2018山水之年”最具代表性的展览项目,“胸中山水奇天下——齐白石笔下的山水意境之二”联合了故宫博物院、中国美术馆、天津博物馆、辽宁省博物馆等十家国内文博单位和艺术机构,展出齐白石山水画作逾160件(套)。据北京画院副院长、北京画院美术馆馆长吴洪亮介绍,此前,齐白石的相关展览更多的是基于北京画院自身的馆藏,而此次展览则几乎把全国各大博物馆、文博机构、艺术院校中重要的齐白石山水藏品都汇集到了北京画院美术馆,包含了齐白石各个时期的山水精品,让观者在一天内遍览不同省市公立机构所收藏的齐白石经典山水画变为可能。

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此次展览艺术顾问,易居中国联合创始人朱旭东则讲到:“天津作为一个直辖市,陆家嘴中心是天津一个最新的商场,今天做商场其实是很难的,竞争太厉害了,那怎么能脱颖而出,形成自己的一个风格,把文化艺术作为一个重要的元素放在这里。做这个展的时候就想要么不做,要做必须是中国顶尖规格,就找了随老师来领军,找卢征远来做策展人,把它做成中国最高级别的雕塑展,虽然展览不大,但六位人物的分量很重。雕塑大众对它是比较陌生的,而且当代雕塑是什么样的形式和状态,老百姓不一定知道,所以有这么一个机会,我们想推动一下雕塑在整个房地产里面的地位。其实公共艺术里面很大一块是雕塑,这是我们在整个文化领域里面一个重要的推动领域。”

纵观齐白石的艺术创作,大写意花鸟画占据主要地位且传颂度较高。相较之下,他的山水画却一度不被世人理解甚至遭遇不少非议。齐白石曾自题:“余画山水,时流诽之,使余几绝笔。”世人与市场的不认可,使齐白石的山水画只为真正理解自己艺术变革的知己、友人所作,这也是导致其山水画体量较少的主要原因。但恰恰是这些山水画,最能彰显齐白石艺术的独创性与超越时代的革新性,其中更不乏艺术巨构。

展览现场

在未来的发展上面,他表示:“我们是这样想的,会推动各种各样艺术,比如数字影像、雕塑、古董、当代,没必要限制老百姓的审美,根据天津人的习惯,我们会调整,但没有局限,做成一个普及的空间,一个让大家能够有审美提高的空间,特别是针对85后、90后的年轻群体,而且还有一些社区的老老人群体,推出一些讲座、培训,把美育作为一个重点来推。”

为了让观众了解齐白石山水画发展的完整历程,北京画院美术馆拿出了一至四层全部展厅,并把齐白石画中“山”的造型搬进了展厅中,展览根据齐白石艺术人生的时间顺序和阶段主题分为“家园”“远游”“变法”“思乡”四个部分。观众可“循”山而行,“穿”山而过,沿着白石老人的足迹,欣赏他的“胸中山水奇天下”。

他是艺术界的常青树、不老松,他是徐悲鸿油画第二代的继承人,是1949年参与筹建中央美术学院的奠基人之一,他勤奋、质朴、忠实于自然,他是戴泽,今年已有96岁高龄。

此次展览是天津陆+艺术中心负责人,太德乐城总经理金波个人第一次做的一个艺术活动,之前他一直从事房地产的服务,他希望艺术能够走进大众,让商业和艺术有一个整体的连接“后续我们也会跟光大地产合作,建设一个5000平米的美术中心,还会在天津滨海开发一个国际艺术群岛,包括在西安、上海,未来有很多的规划,此外,还会和天津卫视合作,做一档艺术节目,还有就是,我希望和艺术名家们合作之后,未来能够引进更多的青年艺术家,把这件事情做一个很好的循环。”

齐白石曾于1902年至1909年远游七年,“五出五归”,饱览了大半个中国的山河美景,途中积攒了大量的山水写生画稿。这是他人生中的重要阶段,也为其山水画带来不容忽视的影响。远游归来后,齐白石根据写生画稿所创作的山水画,相较于其早期临摹 《芥子园画谱》时的山水画,灵动性大大增加。此次展出的《借山图册》便是其中的代表。这套图册原本有50多幅,如今在北京画院存有宝贵的22幅。在这一系列画中,洞庭落日、灞桥风雪、十里桃花、雁塔坡、滕王阁等生活实景跃然纸上。画面多以线勾勒,少皴擦,且富有色彩感,极简的构图显示出无限的空间感。“因为《借山图册》的重要性,所以它成为此次北京画院美术馆展览空间设计的主要线索,从一层展厅开始,就是以《借山图》中的山、石、云、落日、扁舟等元素入景。此外,我们还专门做了‘五出五归’的路线图和齐白石在途中的写生稿对应展示,将远游的影响具象呈现。”北京画院美术馆展览部主任薛良说。

2018年4月20日——5月20日,由中国国家博物馆、中国美术家协会、中央美术学院、北京靳尚谊艺术基金会联合主办的“戴泽艺术展”在中国国家博物馆西大厅展出。

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1917年,齐白石为避家乡兵匪之乱出走北京,并于1919年正式定居,开始了“北漂”生活。然而来京后的生活并不如想象中顺利,齐白石的木匠出身和近“八大”的冷逸画风使他在当时的北京画坛备受冷遇。其立意独特的山水画更不为时人所接受,甚至被人攻击为“野狐禅”。遇此境况,陈师曾鼓励他不必随波逐流,齐白石便自此开始了10年的“衰年变法”。1922年,陈师曾携齐白石等人的画作赴日本展出,其中最受欢迎的即为齐白石的山水画,这也成为齐白石此后逐步走入艺术巅峰,被世人认可的起点。

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雕塑家隋建国致辞

《山水十二条屏》饱含深情

展览现场

而关于艺术进入商场,在隋建国看来,这可能是个新模式,以前就是来买东西,吃吃喝喝,现在,像陆家嘴中心开始试验,把艺术作为一个部分放进来,也算是艺术民主化的一个步骤,重新跟市民形成对话,会产生另外的东西,比如小孩问这什么呀?家长怎么解答?就得找知识,然后形成新的东西出来。我觉得这是艺术从象牙塔出来进入社会的一个过程和途径。

晚年,客居北京的齐白石却愈发怀念家乡惬意的田园生活,这一时期他所作的山水画多是远游时期写生稿与记忆中家乡景色的融合,画中也常漾起思乡情怀。又因为白石老人尤其钟爱桂林山水,所以在其晚年的山水画中山体多是借鉴桂林山,再结合对家乡的记忆,创作出一幅幅既真实又虚幻的“家乡”之景。此次展出的重庆中国三峡博物馆藏《山水十二条屏》便是齐白石晚年山水画的扛鼎之作。此套《山水十二条屏》是1932年齐白石精心为四川军阀王瓒绪所作,画中景色虽是常见的山间、乡野风光,却在齐白石大写意的笔下别具趣味,平淡又不乏意蕴。

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“用十二条屏的方式作画,是齐白石与人打交道的一种特别隆重的方式。”据北京画院研究部主任吕晓介绍,齐白石一生总共画过三套《山水十二条屏》。第一套被白石老人用在老家湖南置了40亩水田。第二套创作于1925年,是白石老人赠送民国名医陈子林的寿礼。2017年末,陈子林旧藏的《山水十二条屏》于北京保利秋拍以9.315亿元天价成交,创下中国艺术品成交纪录,轰动一时。此次展出的《四季山水十二条屏》创作年代更晚,构图更成熟,笔法亦更见遒劲老辣,无疑是展览的一大看点。

96岁高寿的戴泽先生在展览开幕式上(中间)

雕塑家王少军致辞

如果将传统中国艺术分为“逸、神、妙、能”四个品级,吴洪亮认为齐白石的很多山水画可归入“逸品”之列。“如果说,在齐白石的花鸟画中能看到吴昌硕、赵之谦、金农的影子,但是在山水画创作中,齐白石却显得尤为执拗,早早就跃出前人窠臼,目所识、心所感,独树一帜,自成一派。”吴洪亮说,正是由于齐白石的这种心境与耕耘,才能让人们在他去世50多年后仍能看见其艺术的活力及所具有的普世性与跨越时空的价值。

本次展览是戴泽先生八十多年的艺术生涯的首次全面回顾和系统梳理。展览选取戴泽先生各个时期代表作160余件,结合日记、手稿、信札、照片等历史文献,采用第一人称,以时间轴与主题线索交汇并行的模式,完整呈现了戴泽先生现实主义艺术创作历程。展览以一种亲切平和的方式呈现,让真正的大家艺术以平易近人的方式,让观众能够看懂他,可以走进他的生活,走进他的艺术。

“在我们国家发展到今天物质很丰富的情况下,文化这种财富有所失缺,怎么做?用植入式的方法,把艺术植入到商城里,这个形势其实很强烈,对公众来说,不用非得要到美术馆,国家博物馆,或者专业艺术馆里才能看到艺术,这是一个巨大的意义。”雕塑家王少军讲到。

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在雕塑家谭勋看来“艺术介入空间,是必然的。中国刚刚开始,其实还没有真正走到介入社会很多层面,我们刚从美术馆走出来,我认为这是艺术未来一个更广阔的状态。”

中国国家博物馆王春法馆长致辞

史金淞表示:“我觉得艺术史的发展有一个很重要的特征,就是一个世俗化的过程,所以艺术家进入商场,我觉得这是一个趋势。艺术要尽可能的跟大众发生关系,最后就变成了每个人的生活,生活本身变成艺术本身。”

在展览开幕式上,中国国家博物馆王春法馆长首先介绍了戴泽先生的艺术生涯与艺术贡献。他谈到,戴泽先生德艺双馨,是20世纪中国美术史的亲历者。他1946年毕业于重庆中央大学艺术系,后入职北平艺术专科学校,新中国成立后任教于中央美术学院油画系,执教六十余载,培养过以靳尚谊为代表的大批美术家,桃李满天下,创作丰厚。

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戴泽先生在二十世纪前半叶到新中国成立后漫长的艺术道路中,始终坚持高远的艺术理想,和坚定的艺术信念,在油画、素描、水彩等艺术探索上,一向坚持人文主义的内涵表现,坚持中国现代新文化的发展方向,以对现实的思考,和深入生活的观察,体现出鲜明的现实主义精神,以及时代精神。

雕塑家史金淞作品

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中国美术家协会党组书记、常务副主席徐里致辞

雕塑家隋建国作品

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《画家徐悲鸿》 1978年 布面油画

雕塑家谭勋作品

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徐悲鸿送戴泽? 新婚贺词1948年8月

雕塑家于凡作品

中国美术家协会书记徐里也提到:“戴泽先生对艺术的理解全面透彻,基本功扎实,勤勉踏实,创作态度真诚,绘画风格质朴,形式语言丰富,在传承徐悲鸿先生艺术衣钵的基础上,不断探索完善着艺术语言艺术风格。”

一寸光阴一寸金:在光影与是色彩中感受雕塑的魅力

戴泽先生1946年应恩师徐悲鸿先生之遥在国立北平艺专执教,自此开始了他四十余年的美院教学生涯,为中国美术事业的发展做出了卓越的贡献。戴泽先生多年以来一直秉承徐悲鸿先生的现实主义创作观念,矢志不渝,坚持到底,心无旁骛。他参与了新中国多次重大历史题材美术创作,如《义和团》、《正义的声音》《太平军打败洋枪队》、《张献忠》、《大泽乡起义》等,用手中的画笔深刻反映了重大历史事件及人物,和波澜壮阔的社会变革。在之后大量的作品中,表现出了他对自然的赞美,生命的歌颂。

此次展览主题为“一寸光阴一寸金”,之所以取这样一个名字,策展人卢征远表示“光阴”是作品创作过程中的荏苒时光;“金”是雕塑艺术家们在反复打磨锤炼后,点石成金的艺术作品。展览将每一位参展艺术家的气质归为一种特定颜色,并用色彩划分展览区域,既是视觉的愉悦,更是艺术风格的直观展现。在这里,七种颜色并非科学中的可见光谱,而是艺术化的凝练与创造。

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肌肤黄—隋建国的《手迹》系列通过用蘸油漆去放大一段生命的时间,去表现他对时间、对生命的感悟;用生命去塑造时间的形状;双手揉搓在湿润泥土中散发着体温,借助于3D技术敏感于自身动作产生的细微印记。他的颜色是肉身成道的肌肤黄。

展览现场

“这是我17年在佩斯展的作品,用手捏石膏形成的手纹,然后再用3D数字扫描打印出来,是一个数字打印的原型。原来应该是白色的,喷了一层防紫外线的涂料,要不然它会老化。

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手纹太细了,人的视觉是看不清楚的,只有3D高清扫描,然后再打印出来,这个手纹才能被看到,触觉借助3D打印技术成为视觉的对象。这里边3D技术就起着很重要的作用,没有3D手纹是不可能被被看到。”隋建国讲到。

《大泽乡起义》1971年布面油画

古瓷青—王少军的作品带着文人的逍遥与平淡天真之心,他的雕塑没有激烈的情绪,过于夸张的造型,色彩与神态之间传达出古典审美与淡泊永恒的韵味,如同一抹雨过天晴的古瓷青。

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雕塑家王少军表示:“这个形象也是有意的,把它刻画成非现实的,带有某种这个混合体的,又像是宗教,又不是宗教形象,又不是一般的俗人,还是有点超凡入脱俗,但是又没有升到天上去进入佛教的境界,所以说它是一个混合体,可以说是我心目当中的一个理想的形象。他朴素,但是他智慧又不奸猾。老少皆宜,有高深文化修养的知识分子,他能看到深度的思想,儿童能看到它外在的活泼,所以说我在某种程度上是想博得大众的最大化的接受。”

《义和团廊坊大捷》 1971年 布面油画

自在绿—有时候艺术并不复杂,就像于凡的创作,把对外化观念的追求内化为自我的反对流行化的态度。在大多数的艺术家们都很努力地“做”艺术和试图描述整个时代的时候,他选择了回到生活的状态,回到安静的内心,回到“好玩”这样一个艺术的起点,回到“归来仍是少年”的自在绿。

作为中国第二代油画家,戴泽先生将西方油画艺术中的人文内涵,和中国现代新文化的价值取向相结合,表现出了鲜明的现代主义精神。他的作品题材丰富,把自己对艺术和生活的理解,对国家和人民的热爱,一笔一墨都饱含着人文情怀,都体现着时代精神。本次展览不仅是对戴泽先生艺术贡献的崇高致敬,更启迪了当下的艺术创作和教育事业。

非常红—再没有一位艺术家比陈文令更适合红色了,他的红色是他最具代表性的“小红人”,也是他儿时经历所连带的乡土之色,更是他个人和作品散发出的乐观精神,这种精神不全是天真无邪,而是绝地生花的诗意与浪漫。

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今松灰—对于史金淞来说传统与当代可以融为一体,将各种废旧木材、树段漂白,用不锈钢螺丝固定拼凑成松,将传统符号运用到当代语境,以朴素的气质引发观众对当下问题的思考,他的颜色是有今又有古的金松灰。

中央美术学院范迪安院长致辞

作品源于艺术家持续了五年的项目“灰度360”,史金淞将讲述者们提供的、与记忆具有特定关联性的实物研磨成粉尘,再制作出不同灰度的颜料,进而重构一个“全新的色谱”,并且希望它再次流通到日常文化生活之中。

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彩虹蓝—谭勋对于物质材料的挖掘与运用尤为着迷,近年来,城市中的彩钢板成为了他新的关注点,他从彩钢板中发掘出城市的冷暖,通过“物”抵达“悟”,把观众从日常的平凡中召唤出来,使我们回想起那种支配我们作为社会成员的生活的价值观。

范迪安与嘉宾一起在现场观看作品

“2017年11月份,北京开始环保,就出现了很多拆迁的彩钢板,然后天津也跟着环保,也出现了很多的拆迁彩钢板,我就用自己被拆的房子的材料做了一组这样的作品。那个冬天很冷,工作室面临着拆迁,那是一个很窘迫的状态,在这个状态下,这个颜色我认为是特别晦涩的东西,我起了个很荒诞的名字叫彩虹,它代表了一种内心现实。”谭勋讲到。

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幽空黑—事物背后的样子是什么?或许是深邃虚无的幽空黑,探索未知和世界的另一面是卢征远在创作中常常使用的命题,日常经验与难以言说的感知间存在着最微妙的艺术表达。

1959年中央美术学院师生合影,第二排右起为 戴泽,韦启美,萧淑芳,艾中信,吴作人,陈沛。第三排站立者右一为王征骅,右二为尹戎生,右三为靳尚谊。茶几右侧为吴小昌

艺术如光阴,也如金子般宝贵。七色汇聚成光,将艺术之美融入商业空间,将艺术之道以直观形式娓娓道来,将艺术之光照亮观众的生活。

中央美术学院范迪安院长高度赞扬了戴泽先生对于美术教育事业所做出的贡献,他说道:“在二十世纪中国美术,特别是中国油画艺术发展的进程中,戴泽先生是一位做出了卓越贡献的艺术前辈,也是在中国美术教育中做出了突出贡献的教育名家。本次展览正值中央美术学院建校一百周年,戴泽先生作为徐悲鸿先生亲传学生,他充分理解,并且身体力行的实践恩师的艺术创作思想,也是中央美术学院建设发展中的重要前辈。他为人为艺,以及他几十年的奋斗求索精神,也培养了众多杰出人才,都成为了中央美术学院发展中的重要组成部分。”

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中央美术学院教授靳尚谊致辞

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据悉,此次展览将展至12月22日。

观众观看作品

在谈到恩师戴泽先生时,中央美术学院教授靳尚谊激动万分:“戴先生是我的老师,为人很正派。在中大的时候,徐悲鸿是很喜欢他也很重视他。他的素描基础很扎实,人非常朴实,话不多,作品很厚实,很朴实。他在漫长的艺术生涯中一直在不断的勤奋探索,本次展览正是对他艺术生涯的回顾。”

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徐悲鸿先生之子徐庆平致辞

徐悲鸿先生之子徐庆平很喜欢戴泽先生的花卉题材作品,他评价戴泽先生时人为他是一位把自己的生命献给艺术,自己的生活和艺术无法割裂的一位艺术家。在他的作品中有一种题材是花卉,在中国画中花鸟是很重要的一部分,而在中国油画中,能够画花达到世界水平的不是很多,戴泽先生就是一位。西方油画艺术中的花属于静物画,是“死的自然”,而戴泽先生的花则是活的,是他把生命与艺术结合在一起后的结果。戴泽先生本人也很爱花,他曾经在日记中写道:“我爱画花,因为不管何时的艰难困苦、人性不堪、潮起潮落,花,一直都在开。”

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《蝴蝶兰》 1979年 纸本水彩

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《夜晚的紫》? 1962年? 纸本彩墨

本次戴泽先生艺术大展不仅展示出了他的艺术生涯,更是在展示一个时代,展示通过艺术传承给一代又一代人的文化精神。习近平总书记在党的十九大报告中明确指出,文化是一个国家、一个民族的灵魂。没有高度文化自信,没有文化的繁荣兴盛,就没有中华民族伟大复兴。

“戴泽艺术展”正是具有这种非常重要的现实意义。戴先生的作品凝练了老一辈艺术家虔诚质朴的艺术信念,可以将油画在中国一百多年历史中的精魄传递给当今社会。树立好的艺术标准,让优秀的文化传统散发新生,也是此次展览的重要意义。

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